I moved/ Me trasladé

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30-12-08

Secuencia de Créditos 2008

Se acaba el año, otra película que se acumula en la repisa y revisamos los créditos finales. Desde esta trinchera hago mi recapitulación con lo más destacado que nos entregó la pantalla el 2008.

La Película: Petróleo Sangriento

P.T. Anderson apostó por una historia en la que el poder revela las miserias de un hombre. Un personaje que mientras crece en lo económico se va autoconsumiendo de rabia, interpretado por un Daniel Day Lewis que nos entregó la mejor actuación del año. Por su parte P.T. Anderson se luce como director de actores y genera escenas indelebles en la memoria, en especial cuando hace interactuar a Day Lewis con Paul Dano, responsable de un personaje cuya complejidad está en que debe afirmarse a sí mismo constantemente. Un predicador que para justificar su existencia esconde sus debilidades a través del discurso. El antepasado del Frank T.J. Mackey de Magnolia.
Esos caracteres, sumados a una resquebrajada historia familiar, la degradación asociada al transcurrir del tiempo y planos generales acompañados de música minimalista que representan una grandeza vacía y seca, permiten lecturas desde múltiples flancos, que hacen de Petróleo Sangriento una película de repetición obligada que se acomoda en la repisa al lado de clásicos como
Gigante de George Stevens.

El Director: Los Coen (Ethan & Joel)

Si Sin Lugar para los Débiles funciona es por el tino de estos hermanos. Los tipos saben exactamente qué desean provocar con cada toma y nos suben a una montaña rusa con pequeños clímax que nos mantienen en un juego constante de tensión.
Lo más notable de la propuesta es lo poco engrupida que es la película. Todo ocurre en un mundo doméstico, real, donde la muerte convive con el humor. Hay escepticismo, los personajes están motivados por el beneficio personal y el final deja la sensación de que todo es un gran caos. Los Coen son maestros en el efecto bola de nieve y acá se lucen a destajo.




El Guión: Juno



Tengo ideas encontradas respecto a esta película, por un lado es una cinta oportunista y posera que se apropia de la estética indie para ocupar el espacio que dejó Little Miss Sunshine el 2007, pero cuyos circuitos de distribución y parafernalia publicitaria son las de un blockbuster. Sin embargo, tiene un guión con diálogos ingeniosos y por momentos inspirados, los personajes se vuelven entrañables y todo lo que tiene de sobrecarga y majadería en lo visual, contrasta con la honestidad con que están representadas las emociones y el espíritu adolescente. Aún cuando la historia se cae por momentos en un afán panfletario, que no es necesariamente malo, pero que resulta poco elegante en la forma que está planteado, al final lo que queda son esos momentos de pura humanidad que nos recuerdan nuestros días en el colegio y nos hacen enamorarnos de Juno MacGuff.

El Fenómeno: Batman The Dark Knight


Hice una fila de tres pisos para ver esta cuestión y sí, está bien la película, me gustó, pero eso, nada más. Creo que la cinta le debió mucho a la bulla mediática que se produjo por el fallecimiento de Heath Ledger. Sin desmerecer su actuación que realmente es muy buena, me sorprendió que cuando apareció su nombre en los créditos la gente en el cine aplaudió.
La película al estilo de los westerns es sobre un bueno aproblemado y un malo, asquerosamente malo. También al estilo de los westerns por momentos la película se hace larga en sus escenas de acción y confusa en un montaje excesivo.
En fin, entiendo el entusiasmo de los fanáticos de la saga y reconozco la lograda ambientación y la excelente relectura del
Guasón, el verdadero protagonista de la película, que de todas maneras se merece el Oscar.

La Chilena: La Buena Vida


En primer lugar valoro la valentía de escapar de la estructura típica de guión para arriesgarse con una historia coral anticlimática, en el sentido de no hacer converger a todos los personajes en un gran momento. Funciona. La película pasa volando y el relato resulta creíble y entretenido.
No dejo de tener mis reparos con la dicotomía que establece
Andrés Wood entre cuicos y pobres, que ya planteó en Machuca. Los primeros son reprimidos, turbios y llenos de trancas, mientras los segundos son generosos, honestos y buenos. Por momentos eso le hace zancadillas a la historia, caricaturizando y deshumanizando a los personajes.
Pese a lo anterior, los personajes de
Wood son empáticos y están insertos en una narración en la que se ven enfrentados a sus carencias para evolucionar y terminar convertidos en mejores personas, lo que genera una sensación reconfortante en el espectador.
Escenas como la del peluquero tratando de reconstruir el cadáver de su padre son las que han hecho a
Wood un autor y un referente en Latinoamérica: la originalidad y la emoción en función de un buen cuento.


La de Monos: Wall – E




Hace algunos años decidí que las películas de monos eran para verlas en la tele si las pillaba por casualidad un domingo en la tarde en que no tuviera absolutamente nada más que hacer y en que el aburrimiento me estuviera consumiendo. Una decisión que reafirmé este año cuando sin opciones más tentadoras traté de ver en un avión esa tontera del Panda. Después de cinco minutos, me regaló un confortable sueño durante el vuelo.
En esa estaba, hasta que un día pillé en la tele
la del ratón que cocina y la encontré simplemente no-ta-ble, los tipos de Disney-Pixar habían logrado hacer un manifiesto del proceso creativo y la vocación con la simplicidad de lenguaje de los monos animados. Eso me impulsó a ver en dvd la del robot y confirmó mi apreciación. Disney mantiene esa cualidad de tratar temas grandes con dibujitos para toda la familia.
Con el mínimo de diálogos y explotando las posibilidades visuales de la animación actual, en sus primeros minutos la cinta hace uno de los retratos más conmovedoras sobre el comienzo de una relación que se ha visto hace un buen tiempo en el cine, digna heredera de las películas mudas de
Chaplin, para luego hacer una sátira (un poco gruesa, pero efectiva) sobre la alienación a la que nos conduce la comodidad y la dependencia tecnológica (paradójico en una película que le debe sus existencia a los computadores). Una obra maestra.

La que no se estrenó: Rocket Science


Una película chica que no llegó a los cines, que no encontré en los videoclubs y que finalmente vi en el cable. Es una producción de HBO con moral indie, sobre un adolescente tartamudo que tras la invitación de una chica se inscribe en el club de debate de su colegio para caer en un espiral de humillación y manipulación.
En una línea similar a la de
Thumbsucker, la cinta funciona como una historia de aprendizaje y maduración. Pero a diferencia de la mayoría de las cintas sobre adolescentes en las que hasta los adultos actúan como púberes, acá las cosas son más reales. Cuando el protagonista se manda cagadas, son cagadas y no actos de heroísmo ni mitificación. Lo anterior se debe a que la película aún cuando está centrada en el cabro chico, está narrada con la altura de miras de lo que vendrá después, del futuro, del mundo post colegio, de avanzar y no quedarse pegado, lo que queda sellado en una escena final entre el protagonista y su padre con uno de los mejores diálogos que he visto este año en una película.

19-12-08

Opinando sobre los que "dicen"

Tuve la oportunidad de inaugurar la sección de columnas de opinión del suplemento Km. 0 de Publimetro en la edición que apareció la primera quincena de octubre de este año. La columna estaba ilustrada con el dibujo de abajo que recorté "elegantemente" de un pantallazo de la versión en papel digital del suplemento. Casi todas las personas a las que les mostré la columna me hicieron el mismo comentario: "No te pareces mucho al mono" ... en fin.

Acá el texto:








Hace unos años la geisha chilena, Anita Alvarado, cantaba en una de sus peores-mejores canciones "La gallina pecadora": “Dicen que dicen de mí, que soy una pecadora”. Más allá de sus dilemas de consciencia, la geisha nos conducía a una pregunta que puede resultar bastante reveladora: ¿Quiénes son los que dicen?
Es común escuchar afirmaciones como: dicen que esa película es increíble o dicen que en ese restaurante atienden pésimo. Hay quienes toman decisiones a partir de lo que “dicen”. No falta el que finalmente no invita a salir a la chica de sus sueños, porque dicen que es posesiva o el que no postula a un trabajo, porque dicen que el jefe es un torturador.
Insisto, ¿Quiénes son los que dicen?
También entre los que le creen al “dicen” están los que pasan un semestre de martirio por haber tomado el curso equivocado, que dicen es de lo más piola. O los que pagaron de más por unas zapatillas que se rajaron antes de tiempo, porque dicen que esa marca es la mejor.
Dicen, sí, todos dicen lo que otros dicen, pero ninguno dice lo que quiere decir.
En algún momento me la creí y llegué a pensar que el “dicen” era una invocación a un inconsciente colectivo, abstracto y difuso, pero siempre real. Hasta que me acostumbré a realizar el decepcionante ejercicio de preguntar: Ok, ¿Pero quiénes son los que dicen? Desde entonces, en cada caso no he recibido más que titubeos y salidas de emergencia: "bueno, eh… los críticos". Incluyendo en esa categoría de respuestas la peor de todas: la gente. Cuando la gente dice, es una suerte de ley de oro. Independiente a que la gente sea un hermano o un vecino o más probable todavía, uno mismo.
Así es, creo que el “dicen” no es más que una manera de esconder con autoridad de papel maché lo que queremos decir, para no quedar de tontos, locos o ignorantes o peor aún para participar activamente en una conversación sin tener el más mínimo conocimiento de los temas en discusión, sólo para pertenecer al grupo y así formar parte de “la gente”.
El “dicen” es poderoso, muy poderoso, tanto que debiese ser un factor a tener en cuenta cuando se estudia nuestra economía. La vida de un producto puede depender del “dicen”. Antes de pensar en campañas, carteles y avisos, los publicistas deberían contratar personas sólo para que se encarguen de decir lo que otros dicen sobre sus productos, sería una revolución comercial.
Para qué hablar de lo que significa el “dicen” en términos de autoestima, si alguien escucha lo que otros dicen de ella o él a través de un tercero, el día puede ser tan magnifico como de pesadilla, todo por culpa de esa palabrita: Dicen, dicen, dicen y dicen. Y seguirán diciendo, por eso veamos qué dicen de esta columna.

06-12-08

La Escafandra y la Mariposa.


Desde el otro lado

Tu vida está en su punto más alto. Eres el editor de la exitosa revista Elle, tienes buena pinta, te va increíble con las mujeres y puedes darte el gusto de hacer lo que quieras. Pero un día todo se desploma, quedas paralítico, pierdes la capacidad de hablar y tu ojo izquierdo es el único canal que tienes para comunicarte con el mundo.
Esa es la historia de Jean-Dominique Bauby, cuya experiencia inspiró el guión de esta cinta de ficción relatada en primera persona desde su perspectiva, con ironía y sin caer en trucos sentimentaloides. Lo anterior establece un tono de conmovedora sinceridad que paradójicamente termina reforzando el mensaje esperanzador que propone el filme.
En su película anterior, Antes que Anochezca, el director Julian Schnabel a través de la voz del escritor cubano Reinaldo Arenas, ya nos había mostrado su capacidad de crear pequeños momentos de luz en medio de la más terrible oscuridad: la que se produce cuando vivir se convierte en sinónimo de cautiverio. En esa línea, escenas como la de Bauby celebrando el día del padre con sus hijos en la playa, dan sentido al titulo de la película, porque nos revelan la posibilidad de ver una mariposa desde el vidrio empañado de una escafandra.

29-11-08

Funiculí, Funiculáááááááááá!!!!


Este lunes a las 11:30 de la mañana los invito a escuchar el último programa de esta temporada de Los Tenores en el http://www.radiouc.cl/ .
Un espacio "casi en vivo" sobre dos pelotudos que hablan de cine y de tele, como bien lo define el colega Tenor, Jorge Carvajal.
Además de nuestro habitual (y esperado) comienzo cantado, le lleva revisión a Teleton 2008, lo mejorcito que la parrilla programática nos dio este semestre, los puntos altos de la cartelera cinematográfica y de yapa comentario a "El diario de Agustín". Todo en media hora y a ritmo de conversación. Inmejorable oferta.
Ya saben entonces, Final de Temporada de Los Tenores, "casi en vivo" este lunes a las 11:30 AM. a través de Radio UC...Ideas que suenan bien.

22-11-08

Más Lumet, afiches polacos y 12 Hombres sin Piedad


En la tele me encontré con un programa especial con rankings del American Film Institute que destacaba las 10 mejores películas de cada género. Entre esos estaba la selección de las 10 mejores cintas que ocurren en una corte de justicia, el listado lo pueden revisar en este link.
En un merecido primer lugar está Matar a un Ruiseñor, película que inmortalizó a Gregory Peck como el ejemplar abogado y padre de familia, Atticus Finch, basada en la conmovedora (y única) novela de Harper Lee. Aunque corresponde mencionar el primer lugar, espero en otra oportunidad escribir en extenso sobre esta tremenda película.
Por el momento, quiero destacar que Sidney Lumet estuvo presente dos veces en la selección del AFI, en el cuarto lugar con The Verdict (cuyo comentario pueden revisar en el posteo de más abajo) y en el segundo lugar con una peliculaza, 12 Hombres sin Piedad o 12 Hombres Furiosos, como reza su titulo original. Se trata de la opera prima de Lumet y es una joya por su guión y actuación.
Para la colaboración de la Rolling había alcanzado a escribir un microcomentario sobre esta película que finalmente quedó fuera por espacio, pero ahora lo comparto con Uds.
Dato: La imagen de la derecha, es el afiche polaco!! de la cinta. Últimamente me he topado con varios artículos que destacan el trabajo artístico de los afiches cinematográficos en Polonia,aunque suena freak y lo es, no hay duda de que son verdaderas obras de arte, los tipos hacen sus propias interpretaciones sobre el contenido de las películas para promocionarlas. ¿Qué mejor? Para ver más afiches directamente desde Polonia, aquí y acá.

12 Hombres sin Piedad:

La primera película dirigida por Sidney Lumet es una clase magistral de creatividad e ingenio para contar una buena historia. El filme da a conocer un juicio por parricidio, centrándose en la discusión que tienen durante horas encerrados en una sala los 12 hombres que forman parte del jurado, para determinar si el acusado es culpable o inocente. Películas como esta, son la clave para comprender que el buen cine no es el que cuenta con altos recursos de producción, sino que el poseedor de grandes ideas.

07-11-08

Lumet y Mamet.




Colaboración para la edición de Septiembre de este año de la Agenda Rolling de Revista RollingStone, sobre dos artesanos del cine: Sidney Lumet (izq.) y David Mamet (der.).
Para ver el artículo en grande, hagan click sobre la imagen de abajo.



19-10-08

Momentos en Salzburgo.


Esta columna publicada en la web de la Facultad de Comunicaciones de la UC, relata brevemente mi experiencia en el Salzburg Global Seminar 2008.

Momentos:


Son los pequeños fragmentos que quedan en la memoria, los que hacen que un viaje perdure y el Salzburg Global Seminar estuvo plagado de esos “momentos”.


Podría escribir sobre la importancia de la Media Literacy o alfabetización mediática. Podría escribir sobre lo grande que nos hace compartir opiniones con personas de otras culturas. Podría escribir sobre cómo los medios de comunicación son fundamentales en la construcción de la sociedad. Pero prefiero hablar de momentos. Sí, momentos. Pequeños espacios de tiempo que hicieron única mi experiencia en el Salzburg Global Seminar. Finalmente esas Polaroids mentales que se repiten una y otra vez en la memoria como una función personal de diapositivas, hacen que un viaje valga la pena.

Parto con las nubes de Munich, el avión pasa a través de ellas y son las nubes más lindas que he visto en mi vida, descubro figuras, las atravieso, es como flotar, ahora entiendo eso de “estar en las nubes”. Estaba llegando a Alemania, un bus nos llevaría a Austria, específicamente a Salzburgo, el viaje recién comenzaba y ya me daba por satisfecho con las nubes.

Esas nubes me estarían esperando nuevamente cuando emprendiera el regreso. Pero entonces, ya serían un recuerdo más. Estarían acampando en mi memoria reciente al lado de otras imágenes. Junto a la Schloss Leopoldskron , también conocida como “La Casa de La Novicia Rebelde”, por algunas escenas de la película que se filmaron en el lugar.



Espacio donde los alumnos del seminario compartíamos nuestras comidas y donde tras una ardua lucha con la lavadora, mientras esperaba mi ropa, terminé en una noche de tormenta a la una de la madrugada frente a un computador en la biblioteca vacía, bajo la atenta mirada de los querubines que colgando de las paredes me permitieron jugar a que era el dueño del lugar.



Hablando de adueñarse, aunque desde una perspectiva económica sea una palabra con una connotación negativa, creo que es bastante clarificadora al hablar de esta experiencia. Porque en las tres semanas que duró el seminario, los estudiantes nos adueñamos de la Schloss y de la ciudad. Salzburgo empezó a sonar con acentos y a oler a mundo. Y en ese adueñarse del espacio se produjo con el tiempo un adueñarse de sí mismo, que los siúticos llamarían el “viaje interior”.

Ahí surge otro de mis momentos, último fin de semana, salgo a recorrer la ciudad con un mapa que no miro, busco perderme, con la seguridad de que Salzburgo es un lugar en el que al final uno nunca se pierde del todo. Además, hasta perderse es atractivo en una ciudad desconocida. Camino, camino y camino, subo a un cerro y me encuentro con la ciudad completa bajo mi nariz.



Me siento en una banca y recapitulo, escaneo cada día, cada “momento”. Y me doy por satisfecho, es entonces cuando uno se da cuenta de que al partir a un viaje como este sólo hay preguntas y de lo increíble que resulta cómo van surgiendo las respuestas en todo lo que miras, escuchas, conversas, sientes, hueles, palpas, en lo que te llena y en lo que te deja sensaciones de vacío.

Antes que cualquier terapia alternativa, salir de tu contexto diario te limpia y te carga las pilas. Incluso las situaciones más frustrantes se convierten en buenas experiencias: debates que te dejan con la bala pasada, conversaciones que se pierden en la traducción, lugares turísticos que de tan turísticos se vuelven impersonales.

Un ejemplo, quizás el más caricaturesco de cómo el juicio de la memoria a veces es más justo que el razonamiento inmediato. Me habían recomendado que no fuera al Museo de Salzburgo, no hice caso, aunque tenían razón, es uno de los peores museos en los que he estado en mi vida. Extremadamente localista, con una sala en honor a la familia más millonaria de la ciudad y un recorrido eterno con vidas de personajes que sólo son conocidos por los habitantes de Salzburgo.

Sin embargo, al llegar a Chile noté que nunca había tenido tanto que contar sobre un museo. Finalmente quienes nos preparamos para ser periodistas buscamos eso: relatos, historias para contar. En ese museo conocí la sala dedicada a Hans Florey, un artista genial o sólo chiflado que descompone matemáticamente las melodías de Bach, para convertir sus resultados numéricos en formas geométricas que al ser coloreadas presenta como obras de arte. Por historias como la de Florey, vale la pena soportar un museo de pesadilla. Por historias como esa vale la pena hacer un viaje tan gratificante como este.




Lo que más aprendí después de esto fue que en el periodismo donde estamos obligados a siempre tener algo que decir, resulta un ejercicio increíble dejarse permear por las historias y personajes, escuchar, mirar y aprender.

La semana de mi regreso tuve una clase, en una extraña coincidencia, un profesor que explicaba la mentalidad detrás de la cultura griega contó la historia de dos hombres, uno le pregunta al otro: “¿Por qué vives?”. El segundo contesta: “Por curiosidad, deseo conocer”. Esa historia me dejó helado, porque el Salzburg Global Seminar con todos sus momentos, me regaló la capacidad de volver a sorprenderme como un niño frente al mundo y sus estímulos. Si eso es ser periodista, espero serlo toda la vida.


11-10-08

Woody Allen

Para el primer número de la Agenda Rolling de Revista RollingStone que salió en julio de este año, me di el gusto de escribir un especial sobre el gran Woody Allen. La foto de la derecha es la portada que estuvo a punto de salir y que fue cambiada a última hora. Abajo les dejo el especial que apareció en la revista, para verlo en grande hagan click sobre las imágenes.





05-10-08

Haciendo sonar ideas.


Hacía tiempo que tenía ganas de subir estos audios antes de que se pierdan en la caja negra del cíber espacio. Son parte de las promos que escribí y edité para Radio UC el semestre pasado. Aprovecho también de agradecer a todos los que prestaron y siguen prestando sus voces para que estas ideas existan. Ya hay cosas nuevas sonando en la radio y sigo trabajando en más material, así que en algun minuto subiré la segunda patita de audios. Espero que lo pasen bien escuchándolos.

Canciones con ideas que suenan ¿bien?

Boomp3.com

Boomp3.com

¿Invasión extraterrestre?

Boomp3.com

Programas:

Desayuno de Campeones

Boomp3.com

Bajo el Radar

Boomp3.com

Un Desastre de Programa

Boomp3.com

Campaña Reciclaje

Boomp3.com

Facu y Zezeador:

Boomp3.com

Boomp3.com

Boomp3.com

Boomp3.com

Radio UC
...Ideas que suenan bien.

27-09-08

Comentarios Cine: "Promesas del Este" - "Acción Mutante" - "El Planeta de los Simios".

Les dejo estas recomendaciones que escribí para el número piloto de la Agenda Rolling de la Revista RollingStone. Vale la pena buscar los Dvd's.

Promesas del Este

La cinta relata la historia de un chofer de la mafia rusa en Londres cuya vida se cruza con la de una enfermera. Las consecuencias de ese encuentro sorprenden en los giros que tiene el guión y en los dilemas morales propios de un cine sobre mafiosos que se atreve a retornar de a poco.

En sus últimas películas el director David Cronenberg está manifestando una nueva madurez que nutre de una sombría frescura el imaginario retorcido al que nos tiene acostumbrados. Las escenas de Promesas del Este parecen selladas al vacío y quedan grabadas en la memoria como los tatuajes en la piel del protagonista Nikolai Luzhin.

Este personaje es interpretado por Viggo Mortensen, quien realizó una cuidada investigación para darle vida, logrando transmitir los conflictos internos del personaje con gestos sutiles que nutren a la cinta de realismo. Esa actuación le valió a Mortensen una merecida nominación como “Mejor Actor en un Rol Protagónico” en los premios Oscar de este año.


Acción Mutante

Acción Mutante es la opera prima del director español Alex de la Iglesia y tiene como productor al cineasta Pedro Almodóvar. Juntos dan forma a la historia de una joven millonaria que el día de su matrimonio es raptada por una banda de terroristas mutantes.

Aunque la película tiene pecados propios de un director principiante, como el exceso de recursos humorísticos que recargan el guión, resulta valiosa en su apuesta por la ciencia ficción. Un género que ha sido poco considerado por el cine de habla hispana.



El Planeta de los Simios (La versión original)

El deceso del actor Charlton Heston, famoso por sus roles en películas épicas y últimamente por su cuestionada defensa a la tenencia de armas de fuego que expuso Michael Moore en Bowling for Columbine, es motivo para revisar una de las películas más jugadas de su carrera.

En El Planeta de los Simios, Heston se enfrenta a las emociones primarias del ser humano a través de un relato con un contundente discurso social y religioso, que llega a su punto más alto en un final sorprendente al estilo de La Dimensión Desconocida. De hecho Rod Serling, creador de la serie, participó como guionista en esta cinta.

18-09-08

La Respuesta.

Acá les dejo las respuestas a la llamada desesperada de El Zezeador. Esto es parte de la campaña que ideamos el semestre pasado en Radio UC, espero que los disfruten.

La primera aparición pública de Facu:



Facu llegó para quedarse:



RadioUC...Ideas que suenan bien.

18-05-08

El Drama de un Hombre que Zezea.

Es tremendo cuando uno se encuentra con testimonios así de conmovedores.



Alguien debería hacer algo por este hombre y por todas las orejas estresadas del mundo.

12-04-08

Comentario Cine: "Petróleo Sangriento".


Publicado en Sobras el 16/02/08:

A veces hay películas sobre las que dan ganas de escribir sólo tres palabras: vayan a verla. Eso ocurre con Petróleo Sangriento. Paul Thomas Anderson nos entrega la más académica de sus obras. Probablemente consciente de que estaba creando un clásico, adoptó los códigos de un cine épico tradicional con impresionantes locaciones, un guión de emociones intensas y actuaciones que soportan la película sobre sus hombros.

Da la impresión de que P.T. Anderson dirige cargando una bolsa con talento y que en sus películas le reparte un poco a cada actor para que trabaje como nunca lo había hecho en su vida (Adam Sandler y Tom Cruise, nos demostraron ese milagro). En Petróleo Sangriento, es como si esa bolsa la hubiera puesto sobre una mesa y hubiese obligado a los de por sí talentosos Daniel Day-Lewis y Paul Dano, a que se zamparan el contenido hasta no aguantar más, para luego vomitarlo en una escena final tan grande como íntima y dolorosa.
Paul Dano con su cara de cabro chico, convence como un predicador lleno de segundas intenciones, en la línea del personaje de Tom Cruise en Magnolia y está a la altura de Daniel Day-Lewis que con este rol ya se puede considerar un inmortal, él es esta película.

P.T. Anderson se mandó una cinta prolija en los detalles, que en sus más de dos horas mantiene la entretención, demostrando manejo de la estructura dramática y abriendo la puerta a un análisis desde mil ochocientos ángulos diferentes, lo que la hace de repetición obligatoria. Sin duda, estamos ante una obra superior a lo que nos suele ofrecer la cartelera. Ya saben, tres palabras: vayan a verla.

05-03-08

Comentario Cine: "PD: I love you".

Publicado en Sobras el 14/02/08:

PD: I love you, peca de uno de los problemas más comunes que nos ha dado el cine “de masas” últimamente, una buena idea ejecutada de manera espantosa, que por lo mismo crea falsas expectativas. Toda la campaña con corazoncitos y los afiches iguales a un comercial de crema humectante que pueblan nuestros paraderos de micro, prometen una película para entrar de la manito y salir abrazados. Un drama romanticón de esos bien mamones, que al final te hacen sentir bien.
La anécdota da para eso, Holly Kennedy (Hillary Swank) ha quedado viuda a los 29 años de la única pareja que ha tenido en su vida. Para hacer más fácil el duelo de su esposa, el marido poco antes de morir producto de un cáncer, programa que luego de su fallecimiento ella reciba cartas que él le ha dejado escritas.
Esa historia podría sacar lágrimas hasta a un Moai, sin embargo la película se cae en no definir su tono. No hay explicación para un humor gratuito que no aporta al desarrollo de la trama y que le quita cualquier emotividad. Un relleno a la fuerza que molesta y genera la impresión de que es una cinta que no se toma en serio a sí misma.
Si la película hubiese mantenido la intimidad que logra hacia el final, en una escena que parece robada de una película de Cameron Crowe, en la cual Holly conversa con su madre, interpretada por la gran Kathy Bates, se habría ganado un sitio privilegiado en la repisa de las feel good movies justo al lado de My Life, esa emotiva cinta con Michael Keaton, en la que graba videos para a un hijo que nunca lo va a conocer en persona. Con una idea similar, My Life deja en evidencia que utilizando el tono adecuado se puede aprovechar todo el potencial que PD: I love you desperdicia.
El tono indicado, incluso nos habría permitido aguantar las coincidencias intragables del guión y al pelmazo de Gerard Butler, que no le hace el peso a una Hillary Swank que sigue pisoteando su talento con malas decisiones y cambios de registro que no le sirven a su carrera. Para San Valentín, hasta los freakerios de Amor Ciego son más románticos que este revoltijo de sentimientos mal enfocados.

¿Leyendo cartitas? Postealo.

Comentario Cine: "Sin lugar para los débiles".

Versión en extenso del comentario publicado en Sobras el 13/02/08:

El título en español de esta película no puede ser más atinado. La butaca en la que uno se instala para enfrentarse a esta historia no es un lugar para débiles ni cobardes. Porque la cinta no tiene concesiones para mostrar la maldad del asesino pelolais, Anton Chigurh, encarnado por un impecable Javier Bardem.
Con su actuación Bardem nutre de suspenso a las escenas, apoyado por las tomas precisas de los Coen y un ambiente enrarecido en el que da la impresión de que nada importa mucho, lo que implica que puede pasar cualquier cosa. Cuando vemos una bota o el tubo de oxígeno que Chigurh carga con él, está claro que va a quedar la cagada y que como una bola de nieve la crueldad va a crecer sin frenos. Los Coen consiguen que con cada aparición del asesino, no podamos quedarnos tranquilos en nuestro asiento. Sin abusar del recurso, lo aprovechan incluso para generar situaciones cómicas.
Es un aporte que a diferencia de otras películas de criminales, para el policía interpretado por Tommy Lee Jones, el asunto no tiene que ver con la valentía ni el honor ni los principios, sino que como debe ocurrir en la mayoría de los casos, simplemente es pega y perseguir a un asesino es una pega de mierda.
Por su parte, el talento de Josh Brolin es palpable en su capacidad de conseguir nuestra complicidad, pese a ser un personaje para nada simpático y que actúa motivado por intereses económicos.
Hay que tener cojones para adaptar a Cormac McCarthy, asumiendo su mirada cruda y falta de esperanzas. Los Coen lo hacen dotando a la historia de los matices propios y absurdos del día a día, sin perderse en el ejercicio simplón de un thriller engrupido.
Ese es el mayor encanto de esta película, su falta de pretensión. Sin lugar para los débiles, no es otra cosa que la visión sincera y desprejuiciada de autores talentosos.
Lo que independiente a los premios y la bulla que meta la cinta, hacen a esta una película imperdible.

¿Está merecido el Oscar? Postealo.

Comentario Cine: "American Gangster".

American Gangster es una historia que se sostiene en sus personajes, con protagónicos muy bien logrados por dos pesos pesados de la actuación (no sólo, porque están guatones). Denzel Washington y Russel Crowe están tan convincentes que por momentos da la impresión de estar viendo un documental.
Hoy en día no es muy común creerse una película, pensar por un rato que todo lo que ves en la pantalla de verdad está pasando, olvidarse de que esos tipos son actores, de que hay un equipo detrás, etc. Por lo tanto, cuando ocurre el extraño milagro de que una cinta te mete en un universo hasta que casi logras sentir el olor de la escena, le agradeces por devolverte la fe en el cine.
Por un par de horas estuve en el Nueva York de los ‘70, conocí a la mafia afro americana del narcotráfico, respete y temí a su capo Frank Lucas (Washington) y también simpaticé con el Detective Richie Roberts (Crowe), que aun pareciéndose físicamente a Marcelo de Cachureos, nos vende la pomada de un héroe jodidamente humano y aproblemado, lo que lo hace más heroico todavía.
La película le debe mucho de su realismo al artículo sobre Frank Lucas que escribió el periodista Mark Jacobson, para The New York Magazine. El reportaje en el que se basó el guión y que puedes leer aquí, nos muestra con detalles la vida de un hombre al que no le quedó otra que ser el más choro de su calle para sobrevivir. Un personaje que pudo ser una caricatura vergonzosa en manos de otro actor que no fuese Washington, quién en vez de perderse en muletillas para demostrarnos que estamos frente a un mafioso, nos tira de lleno a un ser humano.
Ridley Scott vuelve sólido al mundo de la mafia, mostrando una contundente evolución frente a lo que había mostrado en 1989 con Black Rain, y junto a Denzel Washington, le regalan a Frank Lucas su espacio en un paseo de la fama agujereado por metralletas junto a Don Corleone, Tony Montana y otros tantos ilustres de la mafia que nos ha dado la pantalla.

¿Chorizo hampon en volá así pa'?
Postealo.

18-02-08

Comentario Cine: "Atonement / Expiación, deseo y pecado".

Publicado en Sobras el 13/02/08:

Probablemente la mayoría de los críticos van a decir que Atonement es maravillosa, que técnicamente es impecable, que los actores, las locaciones, el vestuario y todo lo demás es excelente. Sí, la película está bien hecha, pero la que pintaba para ser una mega obra de arte con Globo de Oro a cuestas, se cae en los altibajos de la trama. Parte bien, realmente muy bien, con mucho ritmo, la precisa banda sonora para ir acompañando los movimientos de los personajes y un conflicto incomodo, que provoca ganas de saber más. En ese momento da la impresión de estar ante una película con una atmósfera tan poderosa como Criaturas Celestiales de Peter Jackson.
Sin embargo, empiezan unos juegos innecesarios con el tiempo, el conflicto queda colgando en un largo paréntesis y cuando es retomado, ya se ha desinflado. Por lo tanto, a la película le sobran minutos de metraje, especialmente cuando el protagonista está en la guerra y tiene unas alucinaciones que no llevan a ninguna parte. Puede que visualmente estén muy bien, pero nos alejan de la historia.
Es difícil recomendar una película que me entretuvo mucho en el principio, me aburrió en la mitad y me volvió a entretener harto en el final. Si me quedo en las matemáticas: 2 de 3 la hacen una cinta recomendable. Aparte del argumento, es agradable ver en pantalla grande a Keira Knightley. Es guapísima y en esta cinta saca su lado calentón y le resulta increíble. Pucha que es rica la Knightley. Aunque la película fuera un bodrio igual la recomendaría por ella.
Pero no, no es un bodrio, hay unas tomas como de Kubrick en los hospitales de guerra que dejan la baba colgando y todos los actores están sólidos, con mención de honor a Soirse Ronan, una niñita de 13 años, que con una toma de la cámara a sus ojos es capaz de definir completo a su manipulador personaje.
Tratándose del mismo director de Orgullo y Prejucio, no es de extrañar que los paisajes parezcan postales y que la foto sea con esos tonos pálidos que hacen ver a todos los actores como si tuvieran la piel verde, porque eso es así como dramático. Y sí, es dramático, en especial cuando muestran las partes bélicas. No puedo decir que es una mala película. Sin embargo se me hizo larga y esperaba más. Está ideal para verla en dvd, adelantando las partes fomes, porque el resto está súper bien.

¿Expiando pecados por culpa de un deseo? Postealo.

12-02-08

Comentario Cine: "Cloverfield".

Publicado en Sobras el 06/02/08:

¿Porqué los monstruos siempre aparecen en Nueva York? ¿Porqué no en ciudades como eh…La Ligua? Me gustaría ver a un alfajor gigante persiguiendo a señoras con delantal y viajeros de carretera. Pero no, los monstruos buscan la fama, no quieren ser menos que Al Qaeda y como ya no hay Torres Gemelas se agarran de lo que pueden, por ejemplo la Estatua de la Libertad.
Cloverfield se matriculó con la Estatua de un puro Highlander y con eso provocó una imagen que se va a convertir en un clásico pop: la cabeza de la Sra. Libertad en medio de las calles de Nueva York (cita al afiche de Escape de Nueva York de John Carpenter). Después de años luchando por todo tipo de libertades, llega un monstruo con un pésimo olfato político que las elimina con un flato. Esa escena es un anuncio de lo que espera a los protagonistas. Estarán presos en su ciudad y peor todavía en rollos personales que mientras avanza la historia se irán volviendo cada vez más irreparables. Es un plus que por sobre los efectos especiales y el bicharraco en cuestión, primero hay un guión con personajes bien trabajados.
De ahí la opción de contar la historia en una primera persona que convence en su cuidada improvisación y en la sensación de tiempo real. Es un acierto que no buscaron la imagen más linda ni la más espectacular, sino que la más real. Que nunca olvidaron que detrás de la cámara hay un personaje y que cada toma está condicionada por eso. Aunque pocas veces le vemos la cara, Hud Platt muy bien interpretado por el debutante T.J. Miller, es quién nos narra la mayor parte de la historia. Con sus comentarios y compartiendo su visión, nos hacemos sus aliados, lo que lo convierte en el personaje más empático de la película.
El experimento muy en la línea de The Blair Witch Project, funciona, pero a diferencia de esa cinta, considero que se apresuraron en mostrar al monstruo. Podrían haberle dado un poquito más de suspenso al asunto. Sin embargo, eso no quita que la película es efectiva en mantener la tensión y que cada aparición del bicho está logradísima. Eso sí, para poder disfrutar de verdad la experiencia, HAY que verla en el cine, ojala al lado de un parlante.
Por el formato escogido, se justifica que no exista una explicación sobre el origen del monstruo. Lo que permite desarrollar una campaña de marketing viral, de esas que tanto le gustan al productor J.J. Abrams. Su nombre pone nuevamente en la mesa, el debate para determinar si el autor de una película es el productor, el guionista o el director, porque esta película va a terminar asociada a él. Para poder opinar sobre quién es el papi de Cloverfield, vayan a verla, y sólo por precaución eviten pasar por La Ligua de noche, uno nunca sabe lo que puede aparecer.

¿Fuiste a La Ligua y sobreviviste para contarlo? Postealo.

06-02-08

Comentario Cine: "Escuela para Idiotas".

Publicado en Sobras el 31/01/08:
Pensé que Escuela para Idiotas iba a ser de una estupidez intolerable. Me equivoqué. Es una comedia con un guión divertidísimo, lleno de giros que sorprenden, lo que a estás alturas es un gran mérito para el género.
Jon Heder demuestra que puede ser más que Napoleón Dynamite y que la gente normal se merece un espacio en el cine. A Billy Bob Thornton, le queda muy bien el papel de cabronazo al que te gustaría escupirle la cara, de lo que había dado muestra previamente en Bad Santa.
La película no es una gran excusa para meter la mayor cantidad de chistes posibles. Aunque hay algunos muy buenos, prevalece la historia. La que llenará el corazoncito espinilludo de todos los losers a los que les cuesta…todo. E incluso tiene un mensaje súper alentador y Topo Gigio, que nos invita a buscar en nosotros mismos el león en el que cada hombre puede convertirse.
Aunque hay exageración en las situaciones, como debe ser en una comedia, la gracia está en que son posibles, incluso la comedia física está justificada por sus contextos, siendo además ingeniosa. Atención con una parodia de antología a Reservoir Dogs.
Además, la cinta tiene un bonus en una banda sonora de decisiones acertadas, con grupos como The White Stripes y The Vines, que van de la mano con la estética joven, pero ñoña, de una película para jóvenes, pero ñoños, que seguro se reirán mucho.

¿Buscando el león interior? Postealo.

05-02-08

Comentario Cine: "Hannibal Rising".

La cinta relata la infancia y juventud de Hannibal Lecter. Foto: El impresentable afiche de la película. Publicado en Sobras el 30/01/08:

Me molesta que Hannibal rime con caníbal. Es ridículo. Es como si Drácula se llamara Draculiro, por ser vampiro. Quizás si fuera un apodo podría entenderlo, hay que considerar que el Dr. Lecter tiene un extraño sentido del humor, pero no, así le pusieron su mamá y su papá. Porque Hannibal también fue un niño y eso precisamente es lo que hace tan atractiva a esta película.
Cuando dan esos reportajes súper llorosos sobre delincuentes en la tele, al final el asunto está en descubrir qué fue lo que frickeó al tipo, para llevarlo a cometer aberraciones. En esa línea esta cinta trae una respuesta a todos quienes no podían dormir por las noches, preguntándose cuál es el origen de la maldad de Hannibal Lecter y es grato que sea coherente y no tenga nada que ver con extraterrestres o algún asunto religioso. No contaré más detalles.
De lo que sí puedo hablar es de lo triste que resulta cuando elementos rebuscados manchan una película que tiraba para buena y la dejan sólo en pasable. Quizás sea un género nuevo o una tendencia o no se qué carajo, pero el asunto es que Hannibal tiene una iniciación como ¡SAMURAI! Una cosa es que en Kill Bill funcione bien y que en Batman Begins desde una mirada misericordiosa nos lo traguemos a medias. Pero Hannibal Lecter con una katana… no hueveen.
Es patético que para poder tener un afiche con una mascarita, tengan que meter pelotudeces en el guión. Lo que resulta más inaceptable si consideramos que el texto estuvo a cargo de Thomas Harris, creador y autor de todas las novelas del personaje.
Dejando de lado el rollo “pequeño saltamontes”, esta película es la más brutal de la saga del Dr. Lecter. El suspenso queda en el olvido, para meterse de lleno en el gore, dentro de los límites que permite la mega industria y para no ser cine B, tiene unas escenas bastante estremecedoras.
Es respetable lo que hace Gaspard Ulliel, al interpretar a Hannibal en su juventud, dándole su propia lectura al personaje, sin caer en una imitación de lo que hizo el abuelito Hopkins. Mientras que el Lecter original genera una simpatía culpable con su constante ironía, al de Hannibal Rising no le interesa caerle bien a nadie. Su tema es ahogar los fantasmas que lo atormentan y para eso no duda en buscar los métodos más crueles para hacerlo.
Aunque defiendo El Silencio de los Inocentes por sobre secuelas, precuelas, títeres, show de mimos y demás historias que involucren a Lecter, para ser la pieza del puzzle que faltaba, esta película cumple, no de manera sobresaliente, pero cumple.

¿Invitaste amigos a "almorzar"? Postealo.

30-01-08

Heath Ledger 1979 - 2008


Publicado en Sobras el 23/01/08:

Un frasco de pastillas. Qué tienen las pastillas que pueden resultar tan escalofriantes. La imagen de ese frasco con pastillas desparramadas me da miedo. Cuando escribo esto todavía no se sabe si fueron las pastillas las que llevaron a Heath Ledger a la muerte. A estás alturas importa poco. Pero sí me conmueve y me asusta ese vacío que significan. No sólo ese extraño momento en que el frasco comparte con el cadáver un silencio, que al acabar será tapado por muchas voces, incluyendo esta que escribe. Sino que ese vacío que implica la incertidumbre: más que cómo, tratar de entender porqué se llegó a esa escena.
Ledger, era un actor talentoso, podía funcionar en papeles livianos como en Corazón de Caballero y en personajes llenos de matices y contradicciones, no creo que amerite discusión que el papel que le va a dar la fantasmal inmortalidad que ofrece el cine es el de Brokeback Mountain.
Ahora me da pena que no se haya ganado el Oscar con ese papel, ya no me acuerdo ni tengo ganas de reportear quién lo ganó, pero él se mandó una interpretación impecable. Los actores que mueren jóvenes suelen tener sólo uno o dos papeles que los hacen parte de la memoria colectiva y con el tiempo esos roles le hacen el peso a los premios.
Quizás sea trillado y me da lo mismo, pero pienso en James Dean, pienso en Rebelde sin Causa y pienso en Gigante. Supongo que Brokeback Mountain es el Rebelde Sin Causa de Ledger y Batman The Dark Knight, su Gigante.
No se como habrá sido la reacción del público cuando se enfrentaron a Gigante en la pantalla grande, sabiendo que Dean había muerto. Pero sí estoy seguro de que no será fácil reírse con el guasón en The Dark Knight. Un papel también gigante, como el último de Dean.
Es un consuelo que su último rol sea en una película de Batman, también que no le hayan dado el papel a Jack Nicholson aunque armara pataletas, porque para los fanáticos de Batman interpretar al guasón es verdaderamente importante. Con ese personaje se va a ganar un pedazo en la memoria y el afecto de todos los que leen esta página, de los que están enamorados de los comics y claro, del cine.
Lamentablemente, no siempre el que ríe último ríe mejor. Pero al menos, creo que más vale quedarse con la última risa del guasón como una despedida simbólica y olvidar las pastillas, porque esas sí que dan miedo.

¿...?

16-01-08

Comentario Cine: "Alvin y Las Ardillas".

Hay películas sobre las que no se puede (ni se debe), escribir en serio.
Publicado en Sobras el 09/01/08:

Alvin y las Ardillas, es como una biografía de Christell, pero con más pelo y al mismo tiempo es un dramático relato sobre la vida de un hombre víctima de la drogadicción. David, el protagonista, es un músico que como todos los músicos debe ser drogadicto, así que se pone a alucinar con tres ardillas sin gónadas que cantan como Juan Antonio Labra. El pobre tipo está tan perdido en su vicio que jura que los bichitos cantan lindo y los ayuda a alcanzar el estrellato.
El que no se emociona con esta película es porque no tiene sentimientos, ni hermanos chicos y/o mascotas, que son como lo mismo. Porque para David las ardillitas son más que el efecto peludo de un psicotrópico, también son personitas con alma de niño cantor de Viena.
Sin embargo, el malvado señor de la discográfica que es igual de drogadicto que David, porque también puede ver a las ardillas, las ve sólo como un producto y decide explotarlas. Ahí la historia se pone a lo Christell. Aunque a las ardillitas les duela la guatita, las obligan a cantar igual no más.
Esta pieza cinematográfica se puede catalogar junto a otras grandes obras del cine sobre las drogas como Scooby Doo, Garfield y Roger Rabbit. En todas, el común denominador son sujetos perdidos que a través de sus alucinaciones logran crear un mundo en el que son más felices y en el que incluso las mujeres que desean se sienten atraídos por ellos.
De esa forma se convierten en cintas revolucionarias, porque proponen que imaginar animales que te hablan te traerá mejores resultados que seguir con una vida común y corriente, no como Réquiem por un Sueño, que parece dirigida por Don Graf.
La película será de gran agrado para los animales imaginarios de todas las edades, aunque recomiendo que los menores de edad lleven a su tutor drogadicto, por el fuerte impacto que pueden causarle las imágenes de esta estremecedora historia. Alvin y las Ardillas es una tragedia aguda… demasiado aguda.

¿Cantas como ardilla? Postealo.